FARANDULANOTICIAS

El director del menú Mark Mylod – Entrevista con el kit de herramientas del cineasta


El director Mark Mylod analiza la canalización del personaje de Ralph Fiennes para crear el aspecto de su sátira de «comer a los ricos».

Las películas que en su mayoría tienen lugar en un solo lugar son quizás un gusto adquirido. Es un desafío hacer que un solo espacio se sienta grande y lleno de posibilidades, evitar que las tomas parezcan repetitivas o aburridas y ajustar el paisaje visual de la película, pero no demasiado, para que evolucione a medida que avanza la historia. «The Menu» no es la única película de 2022 que se desarrolla casi en su totalidad en una isla privada o con un gran elenco que trabaja a través de nuestra profunda podredumbre social al sentarse y hablar entre ellos. Pero para la historia de la película de un grupo de comensales que van al extremadamente exclusivo restaurante Hawthorne dirigido por el famoso chef Slowik (Ralph Fiennes, recibiendo mucho más que una cena y un espectáculo en el camino), el director Mark Mylod descubrió que las limitaciones de espacio y la La psicología del antagonista lo ayudó a combinar elementos de sátira, comedia negra y thriller psicológico en un solo plato.

«Sabía que sería un buen desafío tomar una habitación donde muchas personas están sentadas la mayor parte del tiempo y darle esa energía cinética y hacerla dinámica como espacio», dijo Mylod a IndieWire. “Fue un viaje totalmente dominado por el chef. ¿Cómo lo haría? Fue un ejercicio realmente interesante, especialmente, supongo, después de filmar la temporada 3 de «Succession», que tiene una gramática de cámara tan diferente, un metrónomo tan diferente al de la edición: temas superpuestos similares, sin duda, pero un metrónomo muy diferente a este. una.

Para encontrar un ritmo más mordaz y controlado y una perspectiva visual para “The Menu”, Mylod recurrió a películas como “Parasite” de Bong Joon Ho, “The Exterminating Angel” de Luis Buñuel y “Misery” de Reiner, que, aunque limitan los espacios donde se desarrolla la acción encuentran un dinamismo eléctrico gracias a la colocación de la cámara, la evocadora arquitectura y escenografía y la emotiva iluminación. Y Hawthorne, el restaurante de Slowik, fue diseñado para facilitar todas esas cosas.

«Dos cosas clave para mí fueron que existiera esta cocina abierta para que pudiéramos tener dos mundos: esta especie de microcosmos de la sociedad en cierta medida, ‘el que da y el que recibe’, entre el comedor y el cocina Cuando la cámara está en el comedor con los comensales, me gusta la idea de tener esa especie de elemento empotrado de los cocineros escondiéndose y su amenaza a través de la coreografía militar de su trabajo que aún continúa, ya sabes, incluso con una profundidad de terreno relativamente limitada. La amenaza siempre presente, ligeramente nebulosa para los comensales, era significativa», dijo Mylod. «Luego, volviendo 180 grados a la ventana, [production designer Ethan Tobman] creó esta enorme pared de ventanas, vidrio inastillable con vista al océano, proporcionando esa barrera entre los comensales y esa libertad insostenible e inaccesible representada por el océano fuera de esa ventana.

Escuche la discusión completa a continuación o siga leyendo para obtener extractos de la conversación. Para escuchar esta y otras conversaciones con sus creadores de TV y películas favoritos, suscríbase al Toolkit Podcast a través de Apple Podcasts, Pocket Casts, Spotify o Overcast.

Además de atrapar los elementos altos y bajos de la historia en el mismo búnker brutalmente elegante, Mylod ajustó el estado de ánimo del espacio del restaurante a través de la iluminación. «Lo trazamos para que el sol descienda gradualmente hacia la oscuridad en el transcurso de la noche, aislando y ejerciendo más presión sobre nuestros personajes», dijo Mylod. “Entonces se trata realmente de talento para el espectáculo en términos del uso del movimiento del jefe Slowik principalmente. Todo en este mundo es su universo y esto influyó enormemente en el proceso. De hecho, me preguntaba qué haría el chef Slowik a menudo para refinar el diseño y las posiciones de la cámara, especialmente al fotografiar a su gente, la comida o los chefs, lo que sea que esté pasando en la cocina.

El mundo de la fotografía de alimentos era nuevo para Mylod, el que informaba cada faceta de la realización de películas, pero quizás hizo más para dar forma al plato final del chef Slowik. Mylod había pasado por ‘Chef’s Table’ como una búsqueda del trabajo que finalmente conduciría tanto al éxito como a la autodestrucción de Slowik, y para el final recordó una foto de David Gelb que se convirtió en parte de la secuencia del título de ese programa, de un deconstruido postre de Grant Achatz donde todos los elementos estaban, efectivamente, esparcidos sobre el mantel.

«Empecé a pensar, ¿y si hiciéramos esto para todo el restaurante, sabes? Ampliado para que todo el restaurante sea el postre? Y tan pronto como comencé a hablar de ello y a dibujarlo con Ethan y [cinematographer Peter Deming] y [costume designer Amy Westcott] y comenzamos a tratar de resolver todos los elementos que necesitamos para hacerlo, resultó ser casi ridículamente difícil de lograr”, dijo Mylod. «Tuvimos que perforar un agujero especial en el techo del edificio de nuestro restaurante para obtener [the shot]sabiendo el ángulo que necesitábamos y la altura correcta con nuestra relación de aspecto.

Ralph Fiennes en EL MENÚ.  Foto de Eric Zachanowich.  Cortesía de Searchlight Pictures.  © 2022 20th Century Studios Todos los derechos reservados.

«El menú»

Eric Zachanowich

Con las imágenes correctas compuestas, Mylod agregó profundidad emocional y textura al espacio a través del sonido. Al igual que el conjunto que permite contar historias simultáneamente en ambos planos socioeconómicos claros del restaurante, Mylod quería poder encontrar una historia que sucediera en la mesa de cada comensal en las conversaciones que tienen. Es algo que Mylod ha hecho antes en episodios clave de «Succession» y también algo que admira en el trabajo de Robert Altman.

«Leí mucho sobre la forma de trabajar de Altman y también trabajé con dos actores brillantes, Charles Dance y Michael Gabon, que estaban en ‘Gosford Park’, que fue otro gran punto de referencia para mí con ‘The Menu’. Y me hablaron de cómo Robert trabajó con ellos en el set. Todos eran micrófonos todo el tiempo «, dijo Mylod. «Así que estaríamos trabajando con dos mezcladores de sonido: soy un poco reduccionista de su increíble oficio, pero básicamente uno se centraría en la historia principal y el otro en realidad aislaría este sentido darwiniano de ‘Bueno, ¿dónde hay algo interesante en qué mesa? Yo animaría a los actores a mejorar todo el tiempo para que en cada momento la cámara pueda encontrar cualquier elemento de acción en cualquier mesa.

Ya sea que se trate de los implacables uróboros del esnobismo de Janet McTeer y Paul Adelstein, de las bromas atrofiadas de los hermanos tecnológicos de Rob Yang, Arturo Castro y Mark St. Cyr, o de la deliciosa inexpresividad de Aimee Carrero del jefe estrella de cine John Leguizamo, cada mesa tiene un un ritmo y una textura un poco diferentes, lo que significa que Mylod puede agregar variedad sonora y hacer que las tomas que se mueven entre los comensales se sientan más frescas, incluso si las composiciones siguen siendo las mismas. «Sabes, es un comedor, pero quizás haya 15, 16 actores en el set al mismo tiempo, así que trabajar con ellos se convirtió en mi prioridad, supongo, entre otras cosas. [And shooting chronologically] nos permitió a todos ir de viaje al mismo tiempo”, dijo Mylod.

Aimee Carrero en EL MENÚ.  Cortesía de Searchlight Pictures.  © 2022 20th Century Studios Todos los derechos reservados

«El menú»

Cortesía de reflector

Pero al igual que las imágenes de la película, el sonido y la partitura de «The Menu» finalmente van a Slowik para Mylod. “Aprovechamos todas las oportunidades para armar el sonido y, con suerte, poner a la audiencia un poco nerviosa, incluso con el susurro del aire cada vez que se abre la puerta. Elementos como este construyeron y, con suerte, crearon un paisaje sonoro de la misma manera que creamos visualmente”, dijo Mylod.

El paisaje sonoro en muchos sentidos es lo que desencadena las transiciones en las imágenes, de hecho, ya que la película gira cada vez que Slowik (y posiblemente Margot de Anya Taylor-Joy) se mueve de una clase a otra con un chasquido increíblemente limpio. “El equipo de sonido fue simplemente brillante al enviar innumerables iteraciones del golpe o la rotura del vidrio cuando Tyler (Nicholas Hoult) derriba el vidrio”, dijo Mylod.

La partitura fue el ingrediente final de Mylod, agregando una articulación emocional de los sentimientos de los personajes que en realidad nunca habrían expresado o mostrado. «Había mirado el camino [composer Colin Stetson] trabajó en ‘Hereditary’ y su negativa a ir a por [the obvious cue]. Así que con la banda sonora sabía que nunca sería [go for] un miedo a saltar. Todavía sería más un arrastre de construcción lenta, casi una celebración. Porque de nuevo, ¿qué haría Slowik? es su fiesta Y ya sabes, para él, la película tuvo un final muy feliz, una trascendencia y una liberación que tanto anhelaba. Así que tenía que haber un elemento de belleza y celebración en eso, así como, con suerte, una miríada de otras emociones.

El podcast de Filmmaker Toolkit está disponible en Apple Podcasts, Spotify, Overcast y Stitcher.

Inscribirse: Manténgase al día con las últimas noticias de cine y televisión! Regístrese aquí para recibir nuestros boletines por correo electrónico.

TE INTERESA>>  Ahorre 30% en los estuches modulares para teléfonos inteligentes de Peak Design - Geek Review

Deja una respuesta

Tu dirección de correo electrónico no será publicada.

Botón volver arriba